Nativo de Cleveland regresa a casa para construir un estudio de impresión textil a gran escala

Tejidos Dan Bortz

(Cortesía de Guest Blogger Dan Bortz, artista)

The Time Change Generator en Cleveland es un estudio de serigrafía textil sobredimensionado, centrado en las bellas artes, que estamos construyendo yo y mi compañero. Soy originario de Cleveland, pero dejé mi casa en 2008 para asistir al California College of the Arts en Oakland, California, donde conocí a mi compañera de larga duración, Lynnea Holland-Weiss. En la primavera 2018, trasladamos nuestra práctica a Cleveland para construir nuestro estudio de ensueño. Mi visión es crear serigrafías de pequeña a gran escala en tela, yardaje de patrones repetidos e impresión de prendas de vestir de la obra de arte original de mis artistas y de otros residentes. La impresión a mayor escala que haremos será 5 'by 6'. No solo serviría como estudio personal, sino que traería artistas de todas partes para diseñar e imprimir textiles. De viajes extensos, me he conectado con muchos artistas a quienes respeto y admiro. Mi objetivo general es crear un espacio para experimentar con medios emocionantes para mí y para los demás. Me gustaría la capacidad de compartir la abundancia de espacio y, al mismo tiempo, traer talento nacional e internacional a Cleveland.

HGR ha sido un cofre del tesoro total de equipos de estudio, y mucho menos la inspiración de simplemente caminar y observar extrañas máquinas antiguas. Sin una comprensión completa de lo que estoy viendo, todo lo que veo es material y forma, pensando en cómo podría reutilizar algo en una obra de arte. O usarlo en mi estudio. Hemos encontrado coches de empuje de metal realmente geniales para el estudio, una bonita mesa de luz, muebles. También hay muchas otras cosas que tenemos en mente para uso potencial. Aquí hay un viejo dibujo mío para mostrarle cómo un lugar como HGR puede influir en mis dibujos:

Dibujo de la máquina Dan Bortz

Puedes seguir el trabajo de Dan en Instagram en @JBECAUZE @TIMECHANGEGENERATOR o @LYNNEAHW.

Un artista y un carpintero se unen para crear arte público

JP Costello y Erin Guido de So Fun Studio

(Preguntas y respuestas con JP Costello y Erin Guido de So Fun Studio)

¿Qué servicios ofrece su empresa?

So Fun Studio es una colaboración de diseño interactivo que crea arte y productos públicos alegres y despreocupados.

¿Cómo obtuviste tu entrenamiento?

So Fun es una colaboración entre dos artistas, Erin Guido y John Paul Costello.

Erin estudió grabado en la Universidad de Indiana y planificación urbana en la Universidad de Michigan. Actualmente es directora de proyectos en LAND studio, una organización sin fines de lucro de arte público y espacio público en Cleveland. También es una artista de murales y tiene múltiples obras en la ciudad.

John Paul comenzó en los oficios con una empresa de fabricación de metal y luego trabajó como carpintero. Ahora tiene su propio negocio de diseño y fabricación y trabaja en todo, desde muebles residenciales y comerciales hasta trabajos más exclusivos, como un asiento de motocicleta de bambú personalizado o una mesa de futbolín para veinte personas. Es un artista autodidacta y crea esculturas de madera.

Cuéntanos sobre algunos proyectos interesantes en los que has trabajado.

Colaboramos en una exhibición de arte interactiva en el Museo de Arte de Akron llamada Por favor toque En primavera 2016. Después de completar ese programa, formalizamos So Fun Studio porque sabíamos que queríamos crear más obras de arte interactivas juntas. Nos hizo muy felices ver a los visitantes del museo divertirse tocando, cambiando y jugando con la obra de arte. ¡El mundo necesita más momentos de alegría!

Así que la instalación de Fun Studio Please Touch

Hoy me siento Una obra de arte cinética con ruedas que gira libremente una de otra, es probablemente la instalación más exitosa de Por favor toque. La escultura es aproximadamente 6'x6'x6 ′ y está hecha de ruedas 15, cada una con secciones 30 de alfabeto y puntuación pintados a mano. Los usuarios pueden mostrar sus "sentimientos" moviendo las ruedas y cambiando el texto. Actualmente, HOY ME SIENTO está en exhibición en la Biblioteca Pública de Cleveland.

Así que Fun Studio Today me siento escultura

Desde que Por favor toque, hemos participado en galerías y creado obras de arte para eventos públicos. Por ejemplo, MAQUINA DE BAILAR es un columpio a toda escala con personajes unidos a engranajes que "bailan" a medida que avanza el paso. Se exhibió en el evento de verano al aire libre Hip2BeSquare de Ohio City Street Festival y HipXNUMXBeSquare de Gordon Square.

So Fun Studio tambaleante tambaleante

Más recientemente, construimos TENGO MUCHOS, una cartelera interactiva de 4'x35 ′ instalada en el techo de un edificio en 78th Street Studios para la 2018 CAN Triennial, un festival de arte contemporáneo comisariado con artistas del noreste de Ohio. Desde el suelo, las personas pueden tirar de los cables que están conectados a uno de los cuatro engranajes de indexación para cambiar las palabras mostradas. Existen diferentes versiones de 256 de la obra de arte según la combinación de palabras en la oración que el usuario seleccione.

¿Qué materiales usas?

Las obras de arte interactivas recientes están construidas con madera contrachapada de abedul báltico para el cuerpo principal, junto con engranajes de madera o clavijas de indexación. También utilizamos metal, plásticos o materiales de venta directa, como engranajes de bicicleta, cuando sea necesario para diferentes partes móviles. Normalmente usamos pintura acrílica o pintura para exteriores para los gráficos, las letras y la ilustración agregados.

¿Tiene empleados / colaboradores o trabaja solo?

So Fun Studio somos los dos, aunque el padre de John Paul ha ayudado en gran medida muchas veces con la construcción y la instalación cuando el tiempo se agota. Nuestros amigos también nos han ayudado varias veces con la pintura de las piezas. Tenemos la suerte de tener tanto apoyo!

¿Cuál es la misión de So Fun Studio?

Nuestro objetivo es utilizar el arte y el diseño para brindar momentos de alegría, humor e imaginación a cualquiera y a todos.

Entiendo que son clientes de HGR. ¿Cómo se enteró del excedente industrial de HGR?

El boca a boca de otros artistas y constructores. Recordamos cuando entramos a las instalaciones y sentimos emoción, como un niño en una tienda de golosinas.

¿Qué tipo de artículos ha comprado en HGR Industrial Surplus y cómo los ha usado?

Unos cuantos carros de metal y una mesa o dos junto con varias probabilidades y extremos que despertaron nuestro interés. Actualmente estamos en la búsqueda de un torno y molino de metal; Entonces, volveremos pronto!

¿Qué te inspira?

Erin se inspira en el arte callejero, los libros pop-up, los juegos infantiles, las ciudades y todo lo que sea colorido y alegre. John Paul se inspira en la naturaleza, paisajes urbanos, edificios abandonados, molinetes y prácticamente cualquier cosa con algún tipo de motor.

JP Costello catan muro
diseñado por JP Costello
JP Costello escalera de bisagra
diseñado por JP Costello

Preguntas y respuestas con Waterloo Arts Fest Artista en residencia Angela Oster

Artista Angela Oster

¿Cuándo supiste que eras un artista?

Siempre me ha gustado dibujar y hacer cosas, pero me tomó un tiempo considerarme un artista. Creo que fue después de que desarrollé el hábito de dibujar todos los días que tuve la confianza para llamarme a mí mismo un artista.

¿Cómo obtuviste tu entrenamiento?

Tengo un BFA del Instituto de Arte de Cleveland y tomé arte comercial profesional en la escuela secundaria. También hice una tutoría con Dan Krall, un ilustrador y animador. También practico mucho por mi cuenta.

¿Qué tipo de trabajo creas?

Sobre todo dibujo dibujos animados. Mi objetivo es hacerlos graciosos, extraños, lindos y amables. También hago pequeñas esculturas basadas en mis dibujos. Me gusta llamarlos monstruos delicados y extraños de ojos grandes. En la escuela de arte, estudié instalación y performance; Por eso, también me interesa el arte interactivo, público. Pero el tema principal es invocar el placer, ya sea un dibujo bonito o una escultura lúdica.

Dibujos animados de vampiro Angela Oster

¿Qué te inspira?

¡Estoy inspirado por todo! A veces es una tarjeta de felicitación vintage o un viejo video clip de una animación o un broche antiguo. Soy fan de tantos artistas y tantos tipos de arte, y todo se mezcla en mis dibujos y esculturas. Hay un impulso que sucede.

¿Qué haces cuando no estás creando arte?

Cuando no estoy creando arte, me gusta mirar el arte en museos y galerías. Enseño en BayArts y trabajo a tiempo parcial en Ohio Citizen Action. Me encanta pasar tiempo con mi familia y amigos, ver películas, nadar e ir a mercados de pulgas y bibliotecas.

¿Has comprado en HGR por tu trabajo?

¡Sí! HGR es como una tienda de dulces para artistas. Hay tanta materia prima; ¡es ilimitado e inspirador, y es asequible!

Si es así, ¿qué has encontrado y cómo lo has usado?

Encontré una cinta naranja de "alto voltaje" para usar en una escultura pública de Waterloo Arts. La cinta fue un punto de inflexión en la evolución de mi idea para la escultura, y eso no habría sucedido sin HGR.

¿Cómo te involucraste como artista en residencia con Waterloo Arts Fest?

He participado como vendedor durante muchos años en el festival. Creo que es tan único que es un verdadero evento de barrio. Hay muchas actividades prácticas para visitantes de todas las edades. Este año, me invitaron a hacer una residencia, así que aproveché la oportunidad.

Cuéntanos sobre el proyecto.

Construí una "Máquina de eliminación de naranjas": una escultura comunitaria que sirvió como un puesto de registro de votantes y también ayudó a reunir objetos para "A Color Removed" en la Galería SPACES. Construí una estructura gigante abierta de aros de hula y la cubrí con cinta naranja. Le pedí a la gente que me trajeran objetos de color naranja: ropa, juguetes, equipos deportivos, artículos para el hogar, etc. Los objetos se han catalogado y exhibido como parte de la instalación de Michael Rakowitz en SPACES, durante FRONT International.

Dibujo del concepto de máquina de eliminación de naranja Ángela OsterMáquina de eliminación de naranja Angela OsterMáquina de eliminación de naranja Angela OsterAngela Oster se opone a un color eliminado

Qué es lo siguiente?

Estoy organizando un espectáculo de grupo emergente en la Galería Osterwitz ubicada en 15615 Waterloo Road en Cleveland el 7 de septiembre. Le di a los artistas de 30 una muñeca "Ting-a-ling Tina", una pequeña muñeca dentro de un pequeño teléfono. Cada artista puede personalizar la muñeca, o hacer una nueva pieza inspirada en la muñeca. ¡Debería ser un espectáculo divertido!

Preguntas y respuestas con Waterloo Arts Fest Artista en residencia Susie Underwood

diseño de hacha de abanico de Susie Underwood para la producción de Aida de Near West Theatre
diseño del conjunto de hachas de ventilador Near X Empire, la producción de 2018 de The Aida

¿Cuándo supiste que eras un artista?

Siempre me ha encantado hacer cosas y crear narrativas creativas. Cuando era un niño, leía novelas de fantasía o de ciencia ficción, y luego creaba disfraces inspirados en las historias. Dicho eso, no creo que me sintiera cómoda llamándome artista hasta que completé algunas instalaciones con mi antiguo colectivo artístico, Art Club, en torno a mis mid-20s. Sentí que en realidad estaba haciendo algo único y desde mi propia perspectiva por primera vez, y eso me ayudó a sentirme cómodo llamándome artista.

¿Cómo obtuviste tu entrenamiento?

Fui a la Universidad Estatal de Ohio para el arte y el periodismo, obtuve mi maestría en educación de museos de arte de Antioch University Midwest, y obtuve mucha experiencia al trabajar con programas de estudio y familiares en el Columbus Museum of Art. Gran parte de mi conocimiento es autodidacta. La escuela solo puede llevarte tan lejos.

¿Qué tipo de trabajo creas?

Susie Underwood en traje Me gusta "probar" muchos tipos diferentes de creación artística, y generalmente tengo más éxito cuando combino la instalación con el rendimiento y la participación del público. Entonces, en lugar de tener una exposición de arte, podría configurarlo como una venta de garaje. O podría interpretar canciones de salón mientras estoy vestida como un extraterrestre, mientras bromeo con nerds y hostiga al público con accesorios. Para el Waterloo Arts Fest, creé una "sala de estar" bajo una carpa y pintaba todo en blanco, para que los visitantes pudieran decorar mi pequeño "hogar". Prefiero cambiar la atmósfera y el entorno de la experiencia habitual de arte visual, que encuentro ser bastante aburrido

¿Qué te inspira?

Me encanta encontrar nuevos artistas en Instagram; hay algunos artistas increíbles en Los Ángeles, Nueva Orleans y Melbourne en este momento. Drag queens realmente han elevado su práctica en algunos de los mejores arte contemporáneo que existen, y se han convertido en una gran influencia en mi enfoque de rendimiento. También me siento inspirado por la Ciudad de Cleveland, la historia extraña, y el kitsch y la belleza que se da por sentado. Amo la música y la ciencia ficción; entonces, eso sale a veces

¿Qué piensas sobre la terapia de arte?

Estoy interesado en el creciente campo de la terapia del arte, pero no estoy involucrado activamente en él. Comisé una exposición en el Museo de Arte de Columbus que destacó las diferentes formas en que el arte puede usarse terapéuticamente. Estaba mostrando el campo al público en general, que tal vez no esté al tanto de todo lo que sucede o del potencial de la terapia artística.

¿Cómo te involucraste como artista en residencia con Waterloo Arts Fest?

Me recomendaron como potencial artista en residencia porque soy bueno para crear experiencias interactivas y participativas y para trabajar con el público. Mis años como educador de museo me hicieron de esa manera.

Cuéntanos sobre el proyecto.

Configuré una carpa 10 'x 10' con muebles de sala dentro. Todo era blanco, incluso mi ropa, para que los visitantes pudieran pintar y decorar mi pequeña casa. También tenía una araña que podrían ayudar a crear agregando basura de sus bolsos, y una alfombra de trapo que podrían ayudar a tejer. Fue inspirado por mi amor por rehabilitar y decorar mi hogar. Quiero que la gente entienda que la creatividad no solo tiene que tener lugar en un estudio de arte; debe ser infundido en cada aspecto de la vida. La creatividad es vital para nuestra supervivencia, y la necesitamos ahora más que nunca. Necesitamos líderes que puedan crear nuevas ideas, no solo destruir cosas que no les gustan.

Qué es lo siguiente?

Tengo un mural potencial en el horizonte, si alguna vez puedo terminar el diseño!

Mural de Susie Underwood para Porco Lounge, Cleveland
mural para Porco Lounge, Cleveland
La WEB de Susie Underwood para la sala de maravillas del Museo de Arte de Columbus
WEB para la sala de maravillas del Museo de Arte de Columbus
Carteles de Susie Underwood para la producción 2018 de Near West Theatre de The Hunchback of Notre Dame
pancartas para la producción 2018 de Near West Theatre de The Hunchback of Notre Dame

Susie Underwood

La empresa vidriera atiende a clientes regionales durante más de 30 años

Pete Billington de Whitney Stained Glass trabajando en una claraboya

Cuando entras en la entrada de Whitney Stained Glass, donde se almacenan los vidrios sin cortar de todos los colores, es como entrar en un jardín secreto o en la parte trasera, área de trabajo privada de un museo. Hay magia teniendo lugar, y cosas de belleza por todos lados. El talento de los cinco empleados a tiempo completo y dos a tiempo parcial es asombroso. Todos han estado con la compañía durante al menos cinco o seis años. Hacen, restauran, instalan y almacenan ventanas y puertas de vidrios de colores, así como claraboyas, candelabros, mosaicos, lámparas, placas para salpicaduras y otros proyectos de restauración únicos. El propietario actual y segundo, Pete Billington, dice que trabajar en el negocio del vitral requiere un conjunto específico de habilidades: capacidad de dibujo e ilustración para un nuevo trabajo, una comprensión de la geometría, manejabilidad, tener un buen "ojo", atención a los detalles, capacidad de construcción, sin miedo a las alturas, cuidado y la capacidad de levantar y transportar objetos pesados.

Whitney Stained Glass suministros de vidrio en bruto

La tienda se compone de cuatro habitaciones en el primer piso y un piso de arriba. En la planta baja se encuentra el área de dibujo / patrón, el área de vidrio, el área de carpintería, el área de cementación, un área de soldadura y el área de cocción / horno, así como la oficina. Arriba hay un espacio de pintura de vidrio con una mesa de luz, una biblioteca, almacenamiento de vidrios de colores para los clientes y la cocina / sala de descanso. La compañía tiene cuatro hornos de vidrio y un horno de pintura de vidrio, ya que algunas vidrieras que se pintan son luego disparadas para su permanencia.

Taller Whitney Stained Glass

Whitney Stained Glass se inició en 1984 por Jim Whitney. Falleció al final de 2005, y su pintor principal, Pete, compró la compañía a la viuda de Jim en 2007. Pete se graduó con un título en pintura de la Universidad Estatal de Cleveland y estaba trabajando en una tienda de artículos de arte después de la universidad, pero necesitaba un puesto más permanente. Jim era amigo de la familia y había ido a la casa de los padres de Pete para una fiesta de Super Bowl. Jim invitó a Pete al estudio. Durante esa visita, Pete pidió un trabajo. Jim dijo que no estaba contratando un pintor. Pete dijo que solo quería trabajar con sus manos. Jim dijo: "Está bien, puedes comenzar el lunes". Eso fue en octubre 1998; el resto es historia.

Pete no comercializa el negocio ni busca activamente nuevos clientes. Todos sus clientes regionales son clientes habituales o lo encuentran de boca en boca debido a la reputación de la compañía. Su extensa lista de clientes incluye Stan Hywet Hall & Gardens, Lakeview Cemetery, Trinity Cathedral, The Old Stone Church, Elizabeth Seton High School y muchas otras iglesias y particulares para sus residencias. Él dice acerca de 25 por ciento de su trabajo es la instalación de vidrio nuevo; el resto es restauración. Estos proyectos son intrincados y toman mucho tiempo. Por ejemplo, el proyecto de restauración de una vidriera de una iglesia en Monroe, Michigan, tardó cinco años en completarse. El primer gran trabajo de Pete con Jim fue la Primera Iglesia Metodista Unida en 30th St. y Euclid Ave., Cleveland, que también fue un proyecto de varios años.

Le pregunté a Pete qué proyecto era su favorito o el más memorable. Él dice: "Muchos de ellos. Cuando desarmas a Tiffany, en verdad consume durante semanas. También reconstruimos una claraboya 40 por 60 en el Edificio Calfee en E. 6th St. y Rockwell Ave. Para ese trabajo, tuve que obtener un rodillo personalizado hecho para combinar con la textura. El rodillo, fabricado por una compañía en Nueva Jersey, tenía 6 'long by 7' 'de diámetro y costaba $ 35,000'.

Un tema interesante surgió durante mi gira: plomo. Sí, todos los empleados trabajan y están expuestos al plomo diariamente. Se hacen pruebas anualmente y se encuentran dentro del rango de seguridad. Pete dice: "Nos lavamos mucho las manos. Principalmente, las cosas más antiguas son peligrosas ya que se deterioran y oxidan, pero la principal preocupación es si las inhala o la inhala. El contacto no es un gran problema ".

Pete es un artista fino entrenado que principalmente pinta en acuarela. Cuando se le preguntó si todavía hace su arte personal, dice: "¡Sí! Necesito hacer un trabajo que no esté relacionado con el trabajo, pero también hago mi propia vidriera para hacer uso de las instalaciones y el equipo. Animo a mi personal a hacer lo mismo ". Cita al difunto y gran artista del vidrio Dan Fenton de su libro. Vidrio bajo calor: Notas completas sobre el horno, 1982-2004: "Nunca dejes que se ponga el sol en un horno frío". Acerca de las vidrieras, dice: "El vidrio pintado es mi favorito, especialmente el estilo alemán de Múnich". Mira la foto a continuación para ver por qué.

Vidrieras de estilo Munich

Cuando se le pregunta qué es lo que lo inspira, dice: "La motivación para mantener el éxito, mantenerme en el negocio, pagarle a mis empleados y mantenerlos trabajando". Quiero que mis clientes me contraten de nuevo y se lo digan a los demás. La capacidad de trabajar como artista y apoyarme haciendo lo que amo ".

vidrio siendo restaurado en Whitney Stained Glass

Llamado a artistas industriales a la cubierta de las oficinas de HGR!

armadura de metal con engranajes oxidados y ruedas dentadas obra

Como usted sabe o ha leído en los últimos blogs, HGR ha invertido en la construcción de un nuevo back office para los ejecutivos, recursos humanos, nómina y otros departamentos internos. Está diseñado con la fabricación y la industria en mente. También estaremos iniciando una completa renovación de nuestra oficina de ventas frontales donde los clientes vienen a hacer compras y los conductores vienen a recoger cargas para la entrega. Se espera que el proyecto sea completado a finales de este verano.

Necesitamos un poco de dos y arte tridimensional de las paredes, un reloj, un perchero, y un soporte de A / V y otros elementos que mantienen al tema industrial, incluyendo maquinaria, nuestro edificio de historia, La placa de níquel carretera ferrocarril, Etc. Tenemos un montón de tarjetas de maquinaria, planos y esquemas de equipos que nos gustaría mostrar. Como cualquier oficina, necesitamos arte, decoraciones, se encuentra la planta, y los elementos funcionales.

Sé que tenemos muchos clientes artista y constructor que compran aquí por el material y la inspiración. Si desea mostrar su trabajo y obtener algún tipo de notificación por las personas que caminan en nuestras puertas todos los días, en contacto con Gina en gtabasso@hgrinc.com con fotos, propuestas o ideas, o darle una llamada. Tenemos un presupuesto modesto; Por lo tanto, estamos buscando artistas y fabricantes menos conocidos que sólo quieren ser parte del futuro de HGR. Podemos comercio de servicios de crédito de tiendas o de marketing, también!

El aclamado multimedia Los Angeles tiendas de artistas en busca de inspiración a HGR

Luddite por James Georgopoulos
Luddite en MAMA Galería
Acero, aluminio, titanio, caucho, cemento, cobre, acabado automotriz, latón, pintura en polvo y componentes electrónicos con 35: 00 de vídeo monocanal minutos
80 79 × × 53 en
203.2 200.7 × × 134.6 cm
James Georgopoulos 2016
Foto cortesía de la Galería MAMA

(Cortesía de los huéspedes Blogger y HGR compradores frecuentes James Georgopoulos, artista multimedia)

James Georgopoulos trabaja con instalación de pintura, escultura y vídeo para hacer frente a una relación entre las técnicas de producción altamente cualificados, la cultura pop y la iconografía tabú. Comenzó la creación de obras visuales en 14 años, y su padre era un ávido coleccionista de arte. Se trasladó desde la costa este de Los Ángeles en la década de 90s para trabajar en la industria del cine, incluyendo como director de arte para comerciales y videos musicales, como Pink Floyd "llevar." El trabajo Georgopoulous 'se pueden encontrar en colecciones de todo el mundo.

En la actualidad, su exposición individual en la Galería de MAMA en Los Ángeles es impulsado por cuatro grandes esculturas de video nuevos que el artista crea a partir de descubierto, fabricado, y materiales hechos a mano. La tierra es plana es un interrogatorio de los sistemas de inteligencia artificial y los valores y los riesgos implícitos a la computación autónoma. El título de la exposición emana de la certeza de que estamos en un precipicio, similar a la época en la que un mundo plano fue la teoría predominante sobre la forma de la Tierra. Los teóricos y tecnólogos-Bill Gates, Elon Musk, y Stephen Hawking entre ellos- creen que somos presumiblemente en una edad de piedra tecnológica, y que la inteligencia artificial continuarán desarrollando rápidamente y de manera exponencial a pesar de las advertencias y presagios.

Luddite por James Georgopoulos en MAMA Gallery, Los Ángeles